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上手いギターの演奏とは? [雑感]

今回はとても抽象的な話題ですが、上手いギターの演奏とは、、、と言う雑記です。かなり主観的な内容になります。スイマセン。

Shred guitar

ギター、特にエレキの練習を始めると、多くの人は速く弾くこと(速弾き)が大きな壁として立ちはだかると思います。1~2年練習して指が動くようになってもプロの演奏にはどうしても追いつかないことは誰でも体験すると思います。特に、ロック系だと速いフレーズがカッコ良いこともあり、どうしても壁になります。

そのせいか、演奏の技量=速弾きとなりがちです。しかし、演奏は感情を表現するものなので、上手い演奏とは感情表現が多彩なことです。もちろん、速弾きができる余裕がないと感情表現は難しいですが、速さだけでは表現はできません。それには、発音の微妙なタイミング、強弱、ビブラートなどの音の時間的変化、そして多彩な音色の弾き分けなどの総合的な技量が必要です。

どれも重要ですが演奏の技量で最も差がつくのは音色だと思います。例えば、バイオリンやピアノなどの一流のクラシックの演奏を聞くと、アマチュアの人とは全く異なる綺麗な音色を出します。曲調によって、また一音毎にも大きく異なる音色を弾き分けて、本当に多彩な音色です。

エレキだとエフェクターやアンプなどの機材によって音色を変えることができるので、つい技量で音色を弾き分けることがおろそかになりがちです。ただし、機材による音色変化は1音1音の音まで変えられるわけではないので、感情表現にはなり得ません。なので、それに頼ると平坦な演奏になりがちです。

実際のところ、右手と左手だけでどれだけ多彩な音を出せるかは、初心者・中級者のうちは体感できないかもしれません。何年も弾き続けて、ある日、「そういう事か!」と気が付くものです。多くの楽器では初心者が音を出すだけでも大変なので音色の重要さは初心者のうちから実感しますが、エレキは始めから容易に音が出せる楽器なので、一番大切な音色をないがしろにしがちなのかもしれません。

自分自身の経験ですが、速弾きなどの技量は練習量に比例して身に付きますが、音色などの感情表現はそうもいきませんでした。30年以上弾き続けてきて、最近、やっと分かり始めた感じです。重要なのは楽器と一体になることのような気がします。そのために重要なのは、一つの楽器や機材を使い続けることだと思います。分かってくるとピック一つでも変えるのは難しいです。


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"再会" エレキ録音編 [オリジナル曲:制作中]

ボカロ曲の製作、作詞編アレンジ編ベース録音編と紹介してきましたが、今回はエレキのバッキングの録音です。今回も演奏の動画をアップしましたのでご覧ください。

V & Pod & OD-2

アレンジ編でシンセとエレキのバランスに苦労していることを書きましたが、今回の録音本番でも録りながらフレーズを変えたり、音色を調整したり、ビブラートなどの表現をあれこれ試したりと、ちょっと苦労しました。バンド的なシンプルなロックと違って、今回のようなポップスよりのアレンジは、いろいろな選択肢があるので悩みますね。

エレキは2本重ねてますが、動画で演奏しているのは右寄りに聞こえるリード・ギターの方です。途中、ギターのボリュームを変えたり、ペダルエフェクターを踏んでオンにしたりと、アレンジのために細々とやっているのが分かるかと思います。左寄りのもう1本のギターは、パンク的にシンプルにコードをジャカジャカと弾いてます。

演奏ですが、ドラム、ベースは前回と同じ。エレキはいつものフライングV、アンプシミュレーターはLine 6 Pod2.0でLine 6 Crunchの音色です。最後の単音弾きの箇所だけBOSS OD-2で歪みを足してます。録音作業中の動画ですが、音の方は何テイクか録ったものを編集しています。


リンクはこちら → https://youtu.be/8ArorPXbFkA

ということで、ドラム、ベース、エレキのベーシックトラックが完成しました。後はボカロの仕上げとミックスダウンです。

(製作期間 : 2017年9月~) 


Copyright 2017 Katsumi Ochiai

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"再会" ベース録音編 [オリジナル曲:制作中]

作詞編アレンジ編と制作過程を紹介しているボカロ曲ですが、今回はベースの録音です。今回も演奏の動画をアップしましたのでご覧ください。

Playig bass

前回、アレンジに苦労していることを書きましたが、何とかすべてのパートのアレンジを決めて録音の本番に入りました。まずはベースです。今回はミディアム・テンポ(BPM=142)の軽めのロックでもあり、指弾きでオーソドックスなベースを弾きました。

おとなしく弾けばポップス風の曲にもなりそうですが、自分としてはやはりロックなノリを保ちたいので、曲調の割にはバリバリと弾いてます。特に、コンプのCP-9の音色が生きるように右手のアタックを強くして弾いてみました。ちょっとやり過ぎだったかもしれませんが、ミックスで何とかなるかと思います。

演奏ですが、ドラムは打ち込みのシンセ(Roland XV-3080)。サンプリングも使ってます。いつものベースMaxon CP-9でコンプをかけMXR M80 Bass D.I.+でわずかに歪ませてます。録音作業中の動画ですが、音の方は何テイクか録ったものを編集しています。では、どうぞ!



リンクはこちら → https://youtu.be/ROUjBjG2udI

(製作期間 : 2017年9月~) 

Copyright 2017 Katsumi Ochiai

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"再会" アレンジ編 [オリジナル曲:制作中]

先々週、作詞を紹介したボカロ曲の製作記の続きです。今回はアレンジの途中で、ざっとすべての楽器を打ち込み&録音したところです。製作途中の音源も紹介します。

Recording item

しばらく、エレキを中心にしたロック的なアレンジが続いてます。今回はエレキを前面に出しつつもシンセも入れて少しポップスよりにしています。アレンジに試行錯誤はつきものですが、エレキは自分の演奏の録音、シンセは打ち込みと別れるので、両者を同じぐらいのバランスで組み合わせようと思うとちょっと面倒くさいです。

それでも、シンセの方は打ち込みなので音色も簡単に変えられますし、演奏もPCの操作で簡単に編集ができます。一方、エレキの方はあれこれ弾いて録音してイマイチだとやり直しと、かなり時間がかかります。シンセがなくてエレキが主役の方が自由に弾けるので楽だったりします。

と言うことで、かなり苦戦しているアレンジ作業、まだ演奏もそれなりです。この後、ボカロを調声してアレンジを仕上げてから、本番の録音ではしっかりと弾こうと思います。音源は1コーラスの抜粋で、歌はなしで伴奏のみです。



(製作期間 : 2017年9月~) 

Copyright 2017 Katsumi Ochiai

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ハーモニーの歴史7 [連載読み物]

成り立ちの歴史からハーモニーをやんわりと解説するシリーズの続きです。
 
  前回のお話はこちら → ハーモニーの歴史6
 1回目のお話はこちら → ハーモニーの歴史1

第7回:積み重ねれば...
 
07_Tension code
上段:ドミナント・モーション
すべてのコード進行の基本
下段:テンション・コード
不協和に近いが上手に使えばお洒落に

前回は、3度の音の積み重ねによるハーモニーと倍音の関係、現在、使われている平均律に基づいた音階は実際には綺麗に響かないことを説明しました。結局は、あらゆるキーを演奏できて自由な転調を手に入れることの代償として、ハーモニーの美しさは犠牲になりました。だだし、転調をはじめとする自由なコード進行は、この後のハーモニーの発展の基幹となるわけで、あながち悪いことばかりではありません。バロック中期に平均律を手に入れた西洋音楽は、ここで、一気に進化を加速させます。

「フラットしたシ」の音を加えた4音のハーモニーに話を戻しましょう。3音のハーモニーで4種類の響きを手に入れたように、4音では、さらに多彩な響きを手に入れることが出来ます。短3度と長3度の順列組み合わせでたくさんの種類があります。実際には似たようなものを同類として「コードの機能」により分類をするのですが、大変煩雑なのでここではその説明はやめておきましょう。

「フラットしたシ」を加えたコードは、7thコードと言われ、この後のコード進行の発展の中心的な役割を担うことになります。それは、7thコードが「ド、ミ、ソ」のみのハーモニーよりも響きが不安定だからです。7thコードは響きが落ち着かないために長くは持続できません。よって、他の落ち着いたコードへ進みたくなります。これが、コードを次々と変えていく(コードを進行させる)原動力となります。特に、ドミナント7thと呼ばれる「ソ、シ、レ、ファ」の7thコードは、「ド、ミ、ソ」の安定したコードへ進む力が強く、この動きがすべてのコード進行の土台となります。これは、「ドミナント・モーション」と言われ、何百とある多彩なコード進行の多くは、この変形と言えるでしょう。逆に、コード進行の分析とは、いろいろ理由をつけて「ドミナント・モーション」へ解釈をつなげることとも言えます。

「フラットしたシ」を加えて4音のハーモニーを得ましたが、同じ考えでさらに3度上の音を加えていくことが出来ます。9thの「1オクターブ上のレ」、11thの「1オクターブ上のファ」、13thの「1オクターブ上のラ」です。もう一つ上の3度は、「2オクターブ上のド」になり、転回を考えるとハーモニーとしては意味がありません。つまり、3度の音の積み重ねは、13thで打ち止めとなります。数が限られるとは言え、7thコードと同様に(それぞれの3度間の音程差により)たくさんの種類が現れます。しかし、どれもコード進行の機能としては、7thコードの延長と考えて良いでしょう。これらは「テンション・コード」と言われ、転調とともに3度のハーモニーを発展させる原動力となります。

「テンション・コード」は、ハーモニーに彩りを与えます。ただし、「ド、ミ、ソ」のハーモニーと比較すると不安定で、不協和音に近いものです。すでに、13thは、ベートーベンの時代から使われていますが、多くの人がこれらの響きを「美しい」と思うようになるのはもう100年ぐらい後、印象派の時代です。さらに、大衆音楽(今で言えばポップス)で日常的に使われるようになるのは、さらに100年後ですね(つまり最近)。偉大な作曲家は、時代をどんどん進みますが、世間一般の耳が慣れるのには時間がかかります。


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